Suzanne Jackson traspasa los límites de lo que puede hacer la pintura

El día después de que Donald Trump fuera elegido presidente, murió el hijo de Suzanne Jackson, un actor y productor de cine llamado Rafiki Smith. Había sufrido un ataque cardíaco a principios de año, pero aún así había estado corriendo por Savannah, Georgia, donde vivían él y Jackson, para ayudar a conseguir la votación. Los dos vieron el discurso de concesión de Hillary Clinton y esa noche, mientras descendía la oscuridad, sufrió un segundo ataque cardíaco. Tenía 45 años. “Muchas personas jóvenes y mayores salían en ese momento”, me dijo Jackson, mencionando al marido de un conocido que se estrelló mientras volaba su avión y a una mujer en Savannah cuyos tres hijos sufrieron una sobredosis, uno después otro. "Fue una época oscura, una época terrible". Lo que salvó a Jackson a corto plazo, dijo, fue que su hijo “era un bromista tan tonto, y al cabo de una hora todos sus amigos estaban llamando y estaban en mi porche, y yo los estaba consolando”. Lo que la salvó a largo plazo fue su arte.

La casa y el estudio de Jackson se encuentran en una casa laberíntica del siglo XIX cerca del distrito histórico de Savannah. En el patio delantero, detrás de una vieja valla de hierro, se encuentra un monumento a su hijo, levantado por sus amigos. Recientemente tuvo que colocar un letrero advirtiendo a la gente que se mantuviera alejada, después de que alguien entró allí para usar su grifo de agua y logró alterar un arreglo de conchas. Jackson dijo que un entrevistador le preguntó recientemente cuáles habían sido las principales chispas creativas en su vida. Su respuesta: “Cuando nació mi hijo y cuando mi hijo falleció”.

Ella lamentó su pérdida y se dedicó de lleno a su trabajo: pinturas abstractas en las que consigue que la pintura acrílica actúe más como una escultura, en una escala que se ha hecho cada vez más grande. A principios de 2017, asistió a una presentación sobre el artista Nick Cave en el Jepson Center, el principal museo de arte contemporáneo de Savannah; Al final de la charla, la ponente, la curadora de Jepson Rachel Reese, mencionó que estaba buscando obras grandes, como la de Cave, para futuras exposiciones.

Mientras caminaba por el programa de Cave antes de la charla, Jackson notó que hacía referencia a la paliza a Rodney King. En ese momento, ella llevaba pulseras que compró en Los Ángeles, en Watts, el día que King murió. Sintiéndose fortalecida por la coincidencia, habló: “Soy Suzanne Jackson y hago grandes cuadros”.

Jackson había estado haciendo arte desde principios de los años 1960, pero su máximo éxito en los años 70 ya había pasado, y se había hecho más conocida por la Galería 32, que fundó y dirigió en Los Ángeles durante tres años a finales de los años 60. Mostró a David Hammons, Dan Cocholar, Betye Saar y Senga Nengudi, entre otros, en lo que fue un espacio innovador.

En 2006, mientras enseñaba en Savannah College of Art and Design, Jackson recibió un correo electrónico de un curador de la College Art Association (CAA) preguntando sobre la Galería 32. "Pensé que la gente se había olvidado", me dijo Jackson. Ella respondió y fue invitada a la conferencia CAA de ese año en Boston, donde cargó sus viejas diapositivas y dio una charla titulada "Galería 32: Riesgo, innovación, supervivencia: fin de los años sesenta".

Posteriormente, un asistente a la conferencia organizó una exposición sobre la Galería 32 de la Universidad Loyola Marymount en Los Ángeles en 2009. “Estuvo bien”, dijo Jackson. “Pero luego, cuando la gente se enteró de la Galería 32, fue lo único que me preguntaron”. Posteriormente vinieron las exposiciones itinerantes “Now Dig This! Art and Black Los Angeles 1960–1980” y “Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power”, los cuales incluían referencias a la Galería 32, así como a trabajos más antiguos de Jackson.

La atención acumulada generó interés en el trabajo más actual de Jackson: un grupo de recién graduados del Hunter College en Nueva York la invitó en 2015 a montar una exposición en Temporary Agency, su galería dirigida por artistas en Ridgewood, Queens. Fue allí donde Jackson estrenó su tondo Woodpecker's Last Blues de 2013, en el que el acrílico se combina con redes de ciervo, plumas de pájaro carpintero, hojas y papel alquitranado.

Las cosas se movieron rápidamente en 2019: una muestra del trabajo de Jackson en el Jepson Center en Savannah incluyó Woodpecker's Last Blues junto con otras 40 piezas que abarcan desde la década de 1960 hasta el presente, la más reciente midió unos 18 pies de ancho. El mismo año, una galería llamada O Townhouse en el mismo edificio que albergaba la Galería 32, presentó una muestra del trabajo reciente de Jackson. Ales Ortuzar, un comerciante de arte que había trabajado para el megagalerista David Zwirner, visitó O Townhouse para ver el trabajo de otro artista, y el trabajo de Jackson lo intrigó. Después de abrir Ortuzar Projects en Nueva York, voló a Savannah para visitarla y le ofreció un espectáculo en el acto.

La primera salida en solitario de Jackson en Nueva York con un marchante establecido se inauguró en el otoño de 2019 con excelentes críticas en el New York Times, el New Yorker y Art in America. Ortuzar logró colocar pinturas en el Museo de Arte Moderno, SFMOMA, el Museo de Arte de Baltimore y el Walker Art Center, así como con coleccionistas como Pamela Joyner y Komal Shah. Siguieron más espectáculos, incluido uno en la Galería Mnuchin, donde Jackson apareció junto a cuatro de sus compañeros masculinos: Sam Gilliam, David Hammons, Al Loving y Joe Overstreet. "Estaba muy feliz con ese programa porque estaba con los grandes", dijo.

Mientras tanto, Jackson siguió haciendo nuevos trabajos. "Estaba aquí, tocando como loca", me dijo durante una visita reciente a su estudio. A los 76 años, pagó su hipoteca y, finalmente, sus préstamos estudiantiles. Su primera exposición institucional en Europa, en la Galleria d'Arte Moderna de Milán, se inaugura en septiembre. En un momento en el que los pintores piensan ampliamente en el futuro de su medio, Jackson es un modelo. Como escribió Glenn Adamson no hace mucho en Art in America, “Jackson se siente al mismo tiempo como una anciana estadista y… como una recién llegada a la escena”.

Alrededor de la época de su exposición en el museo de Savannah en 2019, Jackson terminó una de sus piezas más ambiciosas hasta la fecha, Saudades, que tiene no una sino tres partes colgantes. El título es una palabra portuguesa que hace referencia a un sentimiento de anhelo, melancolía o nostalgia. Para realizar la obra, Jackson incorporó tela de una de las camisetas de su hijo y una de las corbatas de su padre, así como las tapas metálicas de los barriles de la década de 1930 que su madre usó a lo largo de su vida para trasladar sus ollas y sartenes a un nuevo lugar. casa.

Para una exposición el año pasado en el Arts Club de Chicago, añadió otro elemento a Saudades, una sección de acrílico pintada en un tono verde que reutilizó a partir de un grupo de obras que había realizado para una exposición en Glasgow. El nuevo componente representa un gato que su hijo le regaló en 2010 y que había muerto recientemente. “Todavía puedo verlo parado allí”, me dijo, señalando hacia la puerta de la cocina, “sosteniendo ese gato”.

En 1990, Jackson sufrió una pérdida de otro tipo cuando estaba terminando sus estudios de posgrado en Yale: cajas tras cajas de obras de arte, ropa, antigüedades y libros (incluido el libro infantil de su hijo) que había guardado en un casillero; tuvo que dejar que lo subastaran todo porque no pudo pagar el alquiler de un mes. El hombre del almacén le trajo una caja de libros, viejos libros de bolsillo de los años 60 y 70 (Siddhartha, Franny y Zooey) que hoy guarda en un estante especial en su oficina. Jackson recuerda que el encargado del almacén le dijo: "La suya fue una subasta excelente", en referencia a sus otras posesiones; incluían una pequeña cerámica de Peter Voulkos que había convertido en un collar y un elaborado traje que usaba cuando bailaba brevemente striptease para ganar dinero mientras dirigía la Galería 32. El hombre que diseñó el traje había trabajado en el circuito de vodevil y sabía cómo crear ropa escénica que daba la persuasiva ilusión de que un artista estaba reduciendo a nada. "Tenía todas esas partes que se quitan o se desmoronan", dijo Jackson. "El striptease es realmente un arte".

Jackson recuerda la experiencia de Gallery 32 como una lucha que hizo necesario el striptease. Una vez organizó una exposición de arte de un cartero. “Todos en la ciudad vinieron, porque él era un cartero que hacía arte”, recordó. “Tuve que ir a trabajar al club. Pensé: Espera un momento. Tengo que salir a bailar a clubes para mantener este espacio abierto para otros artistas. Nadie me está ayudando. No tenía dinero. Lo estaba haciendo por mi cuenta”.

Jackson nació en St. Louis en 1944 y su familia se mudó a San Francisco cuando ella tenía nueve meses. Su padre era de piel clara y fácilmente confundido con italiano o mexicano, lo que le dio cierto grado de entrada (se unió a la orden fraternal de los masones, donde ascendió al rango más alto) y le brindó oportunidades, como conducir un teleférico. Su madre era costurera.

Cuando Jackson tenía 16 años, su padre le regaló un juego de pinturas al óleo. Para entonces, la familia vivía en Fairbanks, Alaska, donde su padre trabajaba en el ferrocarril. Antes de convertirse en estado, Alaska era un lugar salvaje, lleno de personas con historias accidentadas que iban allí para esconderse. La pequeña población era una mezcla de razas y nacionalidades. Los policías canadienses montaron a caballo a lo largo del río Yukón. Los niños esquiaron en las aguas termales cercanas al Círculo Polar Ártico. Como parte del programa de desarrollo juvenil 4-H, Jackson viajó a una conferencia anual en Chicago. La revista Jet tomó una foto: fue la primera chica negra en asistir.

Después de terminar la universidad en San Francisco y realizar una gira por Sudamérica con una compañía de ballet, Jackson se mudó a Los Ángeles. Pero la única buena compañía de ballet que había estaba en Beverly Hills, a demasiada distancia en autobús. Era más fácil hacer arte, por lo que comenzó a estudiar con el célebre pintor figurativo negro Charles White, y convenció a un agente de alquiler para que le permitiera ocupar un espacio en los Edificios Granada, supuestamente para usarlo como galería (los estudios de los artistas eran algo sospechosos en ese momento). ). Dos buenos amigos, David Hammons y Dan Cocholar (“nos llamaban los Tres Mosqueteros”, dijo Jackson) la animaron a abrir una galería. Así lo hizo y, a partir de 1968, dirigió la Galería 32 a su manera única. “Recuerdo que tenía su propio estilo”, escribió más tarde Betye Saar en un ensayo, “y conducía un coche fúnebre”.

Cerró la galería meses antes de dar a luz a Rafiki, evento que la llevó a un impulso creativo. Comenzó a pintar muchas pinturas y firmó con Ankrum Gallery en Los Ángeles. Con sus exquisitas imágenes de animales y figuras, las pinturas de Jackson pueden parecer discordantes en el contexto del malestar político de esa época. Cuando se mudó a Los Ángeles, justo después de la rebelión de Watts de 1965, sintió poca conexión con los disturbios que se produjeron allí. En Alaska, como ella recuerda, el racismo no era un gran problema y San Francisco era político de una manera menos acalorada. "Quería pintar belleza", dijo Jackson, "a pesar de que era una mala palabra". Algunas reseñas de la época parecen casi aliviadas por la falta de contenido político. “En cuanto a comentarios sobre su propia negritud, [las obras] se destacan por su falta de amargura y protesta”, se lee en un artículo de Los Angeles Times en 1972.

Jackson era ambicioso y valió la pena. Una publicación de 1974 en la revista Essence la mostraba en un diván con un vestido cruzado de rayón con volantes y nombraba a Bill Cosby y Cannonball Adderley entre los que compraban su trabajo. Vincent Price compró una pieza. Recibió un encargo de Sonny Bono. Una de sus pinturas apareció en la película de 1977 Buscando al Sr. Goodbar, adornando las paredes en una escena con Diane Keaton y Tuesday Weld.

A principios de los años 80, Jackson se mudó 100 millas al sureste, desde Los Ángeles hasta Idyllwild, en las montañas de San Jacinto, donde enseñó en la Escuela de Música y Artes Idyllwild hasta 1985; su estudio era más pequeño y su trabajo siguió su ejemplo. En 1987 se mudó nuevamente: a New Haven, para asistir a la escuela de posgrado en escenografía en la Escuela de Drama de Yale. “Connecticut fue la primera vez que vi a personas cruzar al otro lado de la calle cuando te vieron venir”, dijo Jackson sobre el racismo que experimentó allí. Aunque tenía 44 años y ya era una artista consumada, dijo que siempre tuvo la sensación de que había gente que pensaba que ella era una admisión de acción afirmativa.

Después de graduarse, pasó seis años como escenógrafa independiente. De regreso al Área de la Bahía, también consiguió un estudio en el edificio Oakland Cannery, que los artistas habían estado ocupando desde que el pintor expresionista abstracto Arthur Monroe comenzó a vivir allí en los años 70. En 1994, en busca de estabilidad, lo abandonó y aceptó un puesto docente en Saint Mary's College of Maryland, enseñando escenografía. En 1996 llegó una oferta de trabajo de la Savannah College of Art and Design; infeliz en Saint Mary's y, recordando una buena experiencia en una exposición en SCAD en 1981, cuando la escuela abrió por primera vez, aceptó.

En Savannah, Jackson se mudó a un apartamento con una escalera de caracol y una vista pintoresca de Forsyth Park. “Era simplemente hermoso en Savannah. Pensé que había muerto y había ido al cielo”, dijo. Su madre pronto se unió a ella desde New Haven, donde había seguido a Jackson desde San Francisco. El apartamento no era lo suficientemente grande para ellos dos, por lo que Jackson encontró una casa doble de estilo griego construida en 1890, en el Distrito Metropolitano. Allí podría vivir y trabajar cómodamente. “Éste era el decimoquinto estudio que tenía en mi vida”, dijo. “Decidí que me quedaría 30 años”.

Las clases que impartía ocupaban sus tardes y noches, por lo que se levantaba a las cinco de la mañana para pintar. Fue en Savannah, dice Jackson, donde "realmente empezó a pintar". La luz le recordó la luz de Los Ángeles: larga y sostenida. Había traído algunos lienzos de Maryland, obras figurativas, y pensaba seguir en esa línea. Se sentaba en Forsyth Park y observaba a la gente caminar del lado este al oeste, prestando más atención a los negros mayores, preguntándose qué estarían pensando, cómo debió haber sido estar en Savannah durante el movimiento por los derechos civiles y la “segregación”. , algo por lo que nunca tuve que pasar”.

Comenzó a experimentar con la abstracción y a "jugar con la pintura". Cuando habla de su práctica en el estudio, todavía usa a menudo frases como “tontear” o “portarse mal”; En aquel entonces, pensó, nadie prestaba atención a su arte de todos modos, así que decidió divertirse un poco. Dejó de trabajar sobre lienzos estirados y comenzó a experimentar con acrílicos, con los que había estado trabajando desde la década de 1960, cuando estuvieron disponibles por primera vez. Como les dijo a los miembros de un panel en Chicago el año pasado, ella “pasó por lo bueno, lo malo y lo malo del acrílico”.

Jackson dejó de enseñar en 2009. En el auge del mercado del arte que condujo a la recesión que comenzó el año anterior, sus estudiantes parecían estar envueltos en las cosas equivocadas, y su motivación se desplazaba más hacia el dinero y la fama. Su propio trabajo estaba evolucionando y ahora podía concentrarse plenamente en él. Las obras que había realizado en papel Bogus, un papel reciclado resistente que había descubierto durante sus años como escenógrafa, y que comenzó a superponer en capas de trozos arrugados, habían comenzado a doblarse lejos de la pared, lo que ella animó. Empezó a ir más allá: tal vez el acrílico podría sostenerse por sí solo y las pinturas podrían lograr una especie de transparencia, permitiendo que la luz fluyera a través de ellas. Su momento eureka llegó cuando se dio cuenta de que podía verter un charco de medio acrílico sobre una mesa de trabajo revestida de plástico, darle forma, dejarlo secar y luego colgarlo del techo del estudio, tal como había arreglado los decorados como escenógrafa.

Colgar las pinturas le permite pintar ambos lados y aplicar lo que ella describe como “cualidades pictóricas pasadas de moda”. Una obra con grandes pinceladas marrones presenta lo que ella llamó “grandes placas de acrílico de chocolate”. El hecho de que sus pinturas sean dos por uno no es ajeno a la perspectiva ecológica de Jackson: si envías algo a un mundo moribundo, es mejor sacarle el máximo provecho.

A lo largo de su vida, ha invertido en el mundo natural: registró su patio trasero en Savannah como refugio de vida silvestre. Lo hizo exuberante como una jungla, cultivando árboles jóvenes y plantas altas y cultivando frutas y flores. Hay melocotones y granadas, y uvas muscadinas que crecen entre rosas Cherokee en un enrejado. La naturaleza siempre ha puesto un listón alto para su arte: en 1973 le escribió a su marchante, Joan Ankrum, sobre algunas aves tropicales, cuyos “colores eran fantásticamente brillantes y no se parecían a nada que pudiera sacar de un frasco de pintura”. .”

Vivir en Savannah Lowcountry, marcada por estuarios, marismas, playas de arena y la vida silvestre que depende de ellos, la hizo estar más atenta a cómo la pintura puede afectar el medio ambiente, especialmente cuando el fregadero de su estudio se tapó y vio a un plomero raspar acrílico. de los desagües. No quería que los restos de pintura destruyeran la tierra, por lo que incorporó una etapa de pelado a su práctica, raspando acrílico seco tal como lo hacía el plomero, de espátulas y frascos, y reciclando los restos para volver a utilizarlos en sus pinturas. "Cuando crecí en Alaska, usabas todo", dijo Jackson.

Si bien la ecología del Sur se ha filtrado en sus pinturas, también lo ha hecho el doloroso pasado de la región. “He aprendido tantas cosas desde que estoy en el Sur”, me dijo. "Hay historias horribles sobre cómo se trataba a la gente aquí". Su pintura de 2017, Crossing Ebenezer, presenta sacos de productos rojos suspendidos en acrílico transparente que hacen referencia a los cientos de esclavos recién emancipados que se ahogaron mientras cruzaban Ebenezer Creek en Savannah en 1864. Colgando en el estudio cuando lo visité estaba la obra columnar de casi 10 pies de altura A Hole. en el Marcador: Mary Turner 1918 (2020); el título hace referencia a una mujer que en 1918 fue linchada mientras estaba embarazada. Su propietaria es la coleccionista Pamela Joyner y regresó con Jackson para una revisión de conservación. La pintura es dorada, con un círculo azul oscuro cerca de la parte superior; Jackson pintó la figura original en él. El encaje de la cortina está enredado en la pintura y, en una inquietante coincidencia, después de completar la pintura, Jackson se enteró de que el artista del Renacimiento de Harlem, Meta Vaux Warrick Fuller, también conmemoró el incidente poco después de que sucediera, también con pintura dorada.

Hoy en día, a Jackson no le gusta mucho vivir en Savannah. Su barrio, ahora aburguesado, se ha convertido en una atracción turística. Al otro lado de la calle, lo que solía ser un agradable pasaje cubierto de hierba es ahora una zona vallada con camiones de comida y juegos (se necesita una tarjeta de crédito para entrar) y una microcervecería en una antigua casa de 1910. Le gusta la pareja que dirige la cervecería: hicieron una cerveza especial, la Miss Suzanne, para su espectáculo en el Jepson Center. Pero ya no le gusta pasar el rato en su porche como antes.

Piensa en mudarse, tal vez dentro de cinco años, cuando cumpla los 30 años que prometió quedarse. Hasta entonces, tendrá que lidiar con su casa y su propiedad, a la que llama su “isla de árboles”. Desde que su arte comenzó a venderse nuevamente, ha estado invirtiendo dinero en una fundación y espera convertir la casa en una residencia de artistas. Su siguiente paso es tratar de incluir la casa en el Registro Nacional de Lugares Históricos, después de encontrar en su jardín los restos de una línea ferroviaria en desuso del siglo XIX que una vez conducía desde el centro hasta Tybee Island.

También hay preocupaciones más inmediatas. Cuando lo visité en junio, acababa de llegar una ola de frío y las plantas necesitaban un poco de cariño. En cuanto a su obra de arte, que a sus 79 años continúa impulsando y estimulando, Jackson dijo: “Siempre es un misterio entrar al estudio. No sé qué va a pasar. Es diferente cada vez. Ahora mismo creo que estoy en otra transición”.